CLEVELAND, Ohio – Il est souvent plus facile d’apprécier les images d’une grande œuvre d’art que de comprendre exactement comment elle a été réalisée et comment l’utilisation d’un matériau spécifique par un artiste a affecté le processus de création.

C’est une couche de sens que le Cleveland Museum of Art essaie de déverrouiller dans sa merveilleuse nouvelle exposition sur les sculptures de la fin du Moyen Âge taillées dans l’albâtre.

Ce qui est étrange, c’est que l’objectif principal de l’exposition, qui est gratuite et ouverte jusqu’au 23 juillet, n’est pas de se concentrer sur des thèmes classiques de l’histoire de l’art tels que le symbolisme religieux ou l’évolution du style. Ces questions sont certainement contestées, mais l’objectif principal est de démontrer comment les sculpteurs des années 1300 aux années 1700 en Allemagne, en France, aux Pays-Bas et en Espagne appréciaient l’albâtre pour son potentiel, entre de bonnes mains, à évoquer les riches plis de rideaux élaborés. . et l’éclat souple et translucide de la chair humaine.

En d’autres termes, l’albâtre était réputé pour communiquer des messages spirituels dans des objets de dévotion qui étaient au cœur du culte chrétien contemporain et dans lesquels le corps était un thème central.

Trouvé dans les carrières des Alpes au nord de l’Espagne, l’albâtre est plus lisse que le marbre et plus facile à sculpter avec des détails incroyablement fins. Il nécessite également un polissage élevé qui peut le rendre presque liquide.

Mais les vertus de l’albâtre sont aussi un frein. L’albâtre, une forme de plâtre légèrement et légèrement veiné, est plus cassant que le marbre, qui est formé par la chaleur et la pression du calcaire. Les gros blocs d’albâtre sont plus susceptibles de se fissurer que le marbre lorsqu’ils sont sculptés.

L’albâtre est également plus sensible à l’humidité, ce qui signifie qu’il ne fonctionnerait pas pour les monuments extérieurs. De telles qualités expliquent pourquoi les artistes de la fin du Moyen Âge ont utilisé l’albâtre pour de petites sculptures pour les chapelles et autres décors intérieurs intimes. Et ce sont les types d’objets présentés dans l’exposition.

pouvoir d’un autre monde

La galerie Focus du musée présente 15 œuvres à échelle modeste provenant de toute l’Europe, du XIIIe au début du XVIe siècle. Ils sont magnifiquement installés dans des vitrines en verre à faible réflectivité sous des lumières vives contre des murs d’un bleu profond, créant une atmosphère miraculeuse et d’un autre monde.

La pièce maîtresse de l’exposition est “Saint Jérôme et le Lion”, sculpté vers 1495 par le sculpteur allemand Tilman Riemenschneider (1460-1531). L’un des plus grands chefs-d’œuvre du musée de Cleveland et l’une des sept œuvres en albâtre réalisées par Riemenschneider, il est exposé depuis des décennies dans les galeries médiévales du musée. Maintenant, cependant, il a un nouveau contexte frais et révélateur.

Il en va de même pour d’autres œuvres exposées, notamment les trois spectaculaires « pleurants » du début du XVe siècle du musée de Cleveland, provenant de la tombe du duc de Bourgogne Philippe le Téméraire.

Sculptées par le sculpteur français Claus de Werve, les « Pleureuses » et « Jérôme » de Riemenschneider sont accompagnées d’œuvres de prêteurs dont le Metropolitan Museum of Art de New York, le J. Paul Getty Museum de Los Angeles, le Museum of Fine Arts de Boston, la National Gallery of Art à Washington, DC, et le Louvre à Paris, c’est un parcours impressionnant.

Parmi les emprunts les plus convaincants, citons une Pietà anonyme de la fin du XVe siècle sculptée par un artiste inconnu aux Pays-Bas ou dans la vallée du Haut-Rhin. Prêtée par la National Gallery, l’œuvre mesure un peu plus de 40 cm de haut. Mais sa composition pyramidale, avec le corps étonnamment émacié du Christ mort déposé aux pieds de la Vierge Marie, est un tour de force à la présence monumentale.

arts et sciences

Organisée par le conservateur d’art médiéval du musée, Gerhard Lutz, qui a rejoint l’équipe en 2020, l’exposition est accompagnée d’un catalogue d’essais explorant l’obsession de l’artiste pour l’albâtre. Un chapitre, par exemple, explique comment les musées et les scientifiques de la conservation tentent de localiser les carrières à partir desquelles la pierre utilisée pour des œuvres d’art spécifiques a été extraite. C’est autant une discussion de géologie que d’histoire de l’art.

Mais le message de l’émission n’est pas strictement scientifique. Ce n’est pas non plus une célébration de simples prouesses techniques. Il s’agit de la façon dont des artistes talentueux ont exploité tout le potentiel d’un matériau incroyable pour transmettre des messages puissants.

Par exemple, en encadrant le Cleveland Riemenschneider comme un exemple de ce qu’un maître sculpteur peut faire avec l’albâtre, l’exposition supprime les habitudes enracinées de regarder et d’accorder l’œil aux détails fins qui récompensent le regard attentif qui ne peut être fait qu’en personne. . .

La sculpture illustre la légende du vénéré érudit chrétien du IVe siècle assis dans la robe à capuchon d’un cardinal tout en retirant une épine de la griffe d’un lion. À première vue, l’œuvre apparaît curieusement archaïque, car le petit lion ressemble plus à un chien gémissant qu’à un félin féroce. Les fans du “Magicien d’Oz” pourraient être pardonnés de penser que le visage de la créature ressemble à un Burt Lahr miniature dans le rôle du Lion lâche dans le film hollywoodien de 1939.

des détails qui comptent

L’exposition, cependant, attire l’attention sur des détails tels que la tendre sculpture des pattes d’oie autour des yeux de Saint Jérôme et les rides sur son front. Traducteur de la Bible du IVe siècle, chef monastique et ermite, Jérôme aurait passé une grande partie de sa vie dans des environnements arides autour de la Méditerranée, ce qui signifie que les rides font partie de son histoire.

D’autres détails sont encore plus frappants, par exemple, la façon dont la main droite du saint, tenant l’outil qu’il utilise pour enlever l’épine du lion, traverse hardiment l’espace ouvert entre sa paume et les plis magnifiquement rendus de sa robe sacerdotale qui couvre vos genoux.

Tout cela semble très difficile à sculpter, mais Riemenschneider, comme une gymnaste olympique clouant son atterrissage, l’a rendu facile et complètement naturel. La tendresse de sa sculpture s’aligne pleinement sur l’image d’un saint montrant de la compassion pour un animal souffrant.

La même union de matière et de message imprègne le deuxième Riemenschneider du spectacle, “La Vierge de l’Annonciation”, prêté par le Louvre, et également sculpté vers 1495. Tous deux viennent d’un monastère allemand et se retrouvent à Cleveland pour la première fois. . temps dans le spectacle.

L’ange qui accompagnait autrefois la sculpture du Louvre a été perdu, mais Maria transmet le choc et la crainte à l’arrivée de son divin visiteur alors qu’elle s’agenouille devant son pupitre et tourne légèrement son corps alors qu’elle regarde avec un regard d’un autre monde.

Riemenschneider a souligné le sens d’une sainte interruption dans la routine quotidienne de Marie en montrant deux doigts de sa main gauche insérés dans différentes pages d’un livre, vraisemblablement un texte biblique. Elle occupe ces lieux tout en écoutant les saintes nouvelles de l’ange. La délicate sculpture des doigts et du livre, rendue possible par les propriétés particulières de l’albâtre, souligne l’attention et la piété de Marie.

Avec l’imagerie corporelle, la draperie est une grande priorité dans le spectacle. Le catalogue de l’exposition souligne que Riemenschneider s’est fortement inspiré du graveur et graveur allemand du XVe siècle Martin Schongauer, dont les gravures largement diffusées représentaient des sujets sacrés et profanes vêtus de draperies angulaires et froissées pleines d’énergie nerveuse et dynamique.

Des exemples d’estampes de Schongauer, exposées dans l’exposition, illustrent comment Riemenschneider a traduit les expressions bidimensionnelles du graveur, obtenues avec un burin tranchant gravé sur des plaques d’impression en métal, en différentes formes tridimensionnelles qui exploitent les propriétés de l’albâtre.

L’exposition du musée transporte les visiteurs dans l’histoire de plus de 500 ans vers un lieu et une époque éloignés du présent. Mais cela ne pourrait pas être plus pertinent aujourd’hui. À une ère numérique inondée d’écrans et d’expériences virtuelles à distance, il montre comment la compréhension des matériaux peut conduire à des connaissances vitales sur l’alchimie fondamentale de l’art : la transformation de la matière en une expression de l’esprit, à la main.